自分がアウトサイダーになることは分かっていた

作曲家アリベルト・ライマン氏の訃報

戦後世代で最も著名な作曲家の一人であるアリベルト・ライマンが88歳で死去した。

ライマンはベルリンの音楽一家に生まれた。彼の母親は歌手で、父親は教会音楽の教授であり、ベルリン大聖堂合唱団の指揮者であった。恵まれた人脈を持つプロテスタントの家庭で育ち、早い段階で歌曲伴奏者としてのキャリアの基礎が築かれていた。ライマンは、母親の生徒たちの伴奏をしていたハウスコンサートで、ピアニスト、ミヒャエル・ラウハイゼンと知り合い、大きな影響を受けた。その後、若いライマンはエルンスト・ペッピングに対位法を、ボリス・ブラッハーに作曲を学んだ。ブラッハーは機能的な、当時の同時代的なスタイルで作曲していたが、すぐに彼の生徒に「自分の言語」を見つけるよう促した。

アリベルト・ライマンはキャリアの早い段階でこの目標を達成した。彼の音楽言語はブラッハーの世代の音楽言語とはまったく異なっていただけでなく、ダルムシュタットで主張されている厳格な規定からも逸脱していた。ハンス・ヴェルナー・ヘンツェなどの作曲家よりも10歳年下だったライマンは、あらゆる形態の直接対決を回避することができたが、特定の流派への志向を避けるという彼の決断もまた軽視されるものではなかった。アリベルト・ライマンは孤独な人物となり、その後数十年にわたるその道は、彼自身の非常に個人主義的な感覚によって特徴づけられることになる。

アリベルト・ライマンは、1957年にパリで出会ったパウル・ツェランのテキストを用いた最初の作曲家の一人であった。ライマンは、「アウシュヴィッツ以後」のこれらの詩の高度に人為的でありながら道徳主義的な願望を表現することに見事に成功した。彼は、これらのテキストや世界的文学から取られた他の素材の高貴な雰囲気を決して避けることはなかった。それどころか、彼は意図的にそれらに焦点を当て、これらのテキストの本質的な歴史性を反映するものとしての、適切な真の音楽言語を創造するために、音楽の創作を通じて自己批判的な闘争に従事した。

基本的にライマンは政治的な作曲家ではなかったが、彼の作品には、ベトナム戦争中の1974年に書かれたレクイエム《Wolkenloses Christfest》に印象的に示されているように、当時の深刻な社会問題を扱った作品も含まれている。とはいえ、ライマンは時事問題を積極的に取り上げることよりも、時代を超越したテーマに取り組むことを熱望していた。そうしたことから、彼は特にオペラの文脈の中で、主に世界文学の正典（カノン）から作品の主題を選んだのである。

このジャンルは不可能であると言われていたにもかかわらず、ライマンはオペラも作曲した。彼はストーリーテラーであり、言葉の不滅の魔法、そして何よりも人間の声に信頼を置いていた。 彼は、《メリュジーヌ Melusine》（1970）、《トロアデス Troades》（1985）、《ベルナルダ・アルバの家 Bernarda Albas Haus》（1998/2000）、《メデア Medea》（2007/09）など、一連の主要な悲劇のヒロインたちを舞台に登場させた。観客は何度も彼の率直なヒロインたちへの共感と、音楽劇に対する彼の人間味あふれるアプローチに魅了された。

ライマンは1978年にオペラ《リア》で大躍進を遂げた。ディートリッヒ・フィッシャー＝ディースカウはこの作品にインスピレーションを与えただけでなく、ミュンヘンでの世界初演でタイトルロールを歌った。その後、このオペラは世界中のオペラ劇場で上演されて成功を収め、今日でもかつてないほどの新鮮さを備えている。ライマンは、この作品の非常に不穏なテーマである「人生の残忍さと疑わしい性質のすべてにさらされ、完全な孤独の中にある個人の孤立」に対して、非常に説得力のある音楽言語を見つけ出し、暴力的な音の集合体から最も繊細で穏やかな瞬間に至るまで、幅広い音色のパレットを使用した。

ライマンの作品は1960年以来、ショット・ミュージックによって独占的に出版されている。ベルリンのドイツ・オペラで、ヴォルフガング・リームがライマン80歳の誕生日に寄せた祝辞の中で率直に表明したように、ライマンは数十年にわたって多くの若い作曲家仲間にインスピレーションを与えてきた。あのような方法で声のために作曲ができるのはライマンだけであり、彼の「カンタービレとエコノミー」に対する感覚は間違いなく模範的であった。

ライマンの音楽言語は確かにこの弁証法によって特徴づけられており、作曲家の素材に対する絶対的なコントロールと、可能な限り最大の自由と開放性を同時に求める努力によって完全に形作られている。ライマンがセリー技法と十二音技法を習得し、ミクロポリフォニーとクラスターの形成を作曲の手法として利用したのは当然のことであったが、個々の作品それぞれは常に一貫した完璧な技術的基盤から発展し、その構築の限界を実質的に超えている。ライマンは作品とその形式の厳密な定義に忠実であり続けたが、直線的に展開された進行と論理構造が安全な足場を提供する一方、例えば拍子や記譜法について、同時に最大限の自由を常に模索していた。

ライマンの器楽作品は幅広く、無伴奏ソロ（チェロ、クラリネット、オーボエなど）から室内楽、そして2つの《ピアノ協奏曲》（1961、1972）やギドン・クレーメルのための《ヴァイオリン協奏曲》（1995/96）などのソロ協奏曲から、《管弦楽のための変奏曲》（1975）や《ツァイト・インゼルン Zeit-Inseln》（2004）のような大規模なオーケストラ形式に及ぶが、交響曲や弦楽四重奏曲などの伝統的なジャンルを完全に避けた。

ライマンは人間の声の扱いに熟達しており、ディートリッヒ・フィッシャー＝ディースカウ、エリザベート・グリュンマー、ブリギッテ・ファスベンダーなどの有名な歌手と共演することができた。彼は歌曲ピアニストとして無数の録音を残し、尋常ではないレパートリーの広がりを示し、無数の優れた歌曲やオペラの作曲家として、超絶技巧でありながらも決して歌えないわけではない役を若手の歌手のために作曲した。またハンブルクとベルリンの音楽大学では教師としての立場でも活躍し、最終的に、あらゆる世代の歌手たちが最初から現代音楽をレパートリーにしっかりと組み込むことができる体制を作り上げた。

アリベルト・ライマンは、2024年3月13日にベルリンで亡くなった。私たちは、共感に満ちた人間性が作品の中に生き続ける偉大な芸術家に敬意を表し、別れを告げる。